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琴室闲言 关于《琴室闲言》又可称为《琴室废言》，概括其精神，似乎是： 勿以基础而忽视； 勿以易学而大意； 勿以难学而回避； 勿以熟悉而放弃。 闲言者，可重可轻；重视者目为真言，轻视者以为废话。是故，或言者谆谆，听者藐藐；或言之有物，行而有恒。是耶？非耶？全在于各人之领会也。 孔夫子有言：学而不厌，诲人不倦。 闲言也好，废言也罢，即便是废话，说上一百遍，也就快成真理了。所以，尽管是老生常谈，还得谈啊，谈得多就记得牢，借用昔时的常用语：阶级斗争要年年讲、月月讲、天天讲啊，呵呵…… 琴室闲言 ——致手风琴学生
赵晓生/为钢琴学生而写原文 闲 引 为师者执言，多“老生常谈”，不外乎便是如何如何的，活说的多了，就容易絮絮叨叨，容易让人厌烦；所以，为人师表，说也难，不说也难；其实不说更难，不说行吗？那这老师就该歇一歇了，所以还得要说，说得多了，就成了闲言碎语，重复的废话了，呵呵。 一、“照谱弹” 这话很多余。怎么能不照谱弹呢？可现实就这样。不仅业余如此，就是所谓的“专业学生”有时也如此。低层次学生不看节奏，不看音高位置，不看调号，不看临时升、降、还原记号，不看休止符等等；高层次学生不看速度，不看强弱记号，不看表情记号，不看分句，不看连断等等。即研究生甚至演奏家也“不求甚解”。因而，“不照谱弹”已是“泛滥成灾”。“照谱弹”至少体现了对作曲家最起码的尊重。因此，出于对作曲家劳动的一点点尊重之心，我依然要唠叨几句：请照谱弹！
二、“谱上写的每个音都要弹出来， 这又是一句多余的话。本来嘛，一是一、二是二就很好。问题是,实际情况恰恰相反。谱上有的音不能清晰发出来，时有时无，时隐时现，“吃”音、漏音时有发生，尤其在和弦中漏音，在快速跑动中漏音，更为普遍。谱上没写的音却时常“冒出来”，使和声、乐句、声音都不干不净。因而，要做到这句活不多余，首先你的演奏就不能有多余和遗漏，这可不是一件易事，可要经过长期严格的训练啊。 三、“要弹得清晰” 难道弹琴不该清晰？但事实上，不清晰的演奏比比皆是。第一，声音不清晰。每一个声音发不出来，弹不清楚，模模糊糊；第二，节奏不清晰，每个不同节奏单位不清晰，不知用什么相应的动作把需要的声音弹出来。总而言之，一片模糊，一片混沌。 四、“要听和声” 手风琴是一件和声乐器，极少用一个音演奏一大篇曲子的。少则两个音，多则十几个音，形成一个整体，这是和声乐器音乐最重要的特点之一。手风琴艺术发展史伴随着和声发展史，不同时代不同风格有着不同的和声语汇。可是大家常常缺乏和声感觉、和声观念，耳朵完全听不见和声音响。许多学生不知在什么位置该由什么音（组）来表现。既然是和声乐器，就该由一连串的音（组）来链接、组合和表现，否则，缺乏和声感觉必然是涣散的演奏。 五、“要数拍子” 数拍子是幼儿园时就明白的事，对吗？事实上，到了大学不数拍子弹琴者也不少。不知是汉民族传统就缺乏舞蹈的基因，还是天生就没有节奏感？反正平时对节奏、节拍、时值、比率关系就很麻木，不少学生既不能准确分割时值（将一个时值单位均分为两、三、四、五、六份……），又不能将每个拍子即特定时值单位均长（忽长忽短，音多就长，音少就短），还有的心中完全不数拍子（碰到符杆更多一点的音符就如同脱缰野马向前冲去），这样的学生很多啊。唯一纠偏的就是通过节拍器来训练，以帮助我们正确的演奏节奏和把握速度。 六、“要弹得顺，流畅，不要错，不要断。” 对此人所共知的事，还得唠叨几句。教师常说：要局部练，要分手练，分声部弹，一个一个和弦地分析，一个一个地听和弦，分析句法、曲式，重点练习那些不好弹、不会弹、记不住的句子………，说了很多，但都做了还弹不顺，怎么办？那就没办法了吗？其实还是没做好，做的不到位嘛。应该继续做，认真做，下大功夫地去做！
不得不说，还真不是人人都对得齐呢！有些是两只手不受控，相互参差不齐；有的是随意失控，漫不经心，也对不齐。要知道两手整齐不是一件容易的事，未经严格的训练是做不到的。需要强调说明的是，所谓“对齐”，特别要注意在两只手都是十六分音符时，不是一拍一拍对齐，而是一个音一个音对齐；在“复合节奏”时，是各自严格节奏单位的“对齐。” 八、“要把每个声音弹出来” 呵呵，这样一句庸常的话谁都说得出来，可就不是谁都可以做到。我们所见到的“常见病”：声音虚弱、模糊、听不清等等。事实上，有相当部分的学生虽然学琴多年，却并不明了乐器的发声机理，不明白如何通过风箱和触键的巧妙配合，使手风琴的簧片充分震动起来，如何真正使琴发出具有良好质地的声音。手风琴的一大缺点是太容易发音，这使得许多人误以为随意拉拉风箱，碰碰琴键就能发出声音，以致声音太随便、太任意、太粗糙。因此要发出一个清晰、集中、充分震动的声音并非易事。只有克服任意音，精神专注，要求明确，找到“发音点”，才能使每个声音真正“弹出来”，让人听清楚。所以，真正要把“好”声音“弹出来”，必须花上数倍的努力。再补充一句废话：音乐是声音的艺术，所以琴是要用耳朵来“弹”的，不是随便拉拉风箱动动手指就可以敷衍了事。 九、“要弹好听，不要弹得那么难听。” 本来嘛，人都不想弹难听的吧。然而，要把这琴弹“好听”却实在是天下第一难事。首先每个音都要弹好听，还要有层次、有区别、有色调。否则，绝对难听得“鸡飞狗叫”。再次，要把多音互连，要有关系、有走向、有气息；再则，要形成更大的乐句，要有呼吸、有趋向、有形态；有人弹琴没有句法、语气，没有强弱变化处理，十分平淡乏味。好的声音应该是有强有弱的，而且要做到“强而不炸、弱而不虚”。你看看，好听是不是来之不易？但每一个弹琴的人把琴弹“好听”，可是他的天职啊。 十、“要弹得连，不要断。” 手风琴是可以连贯发音的歌唱性乐器，相当于钢琴发声的“打击性”，它是比较容易弹连奏的，但是仍然有不少初学者难以弹好连奏。首先内心要有对连贯的强烈愿望，其次是气息和张力的连贯，然后才体现为手指的连贯；由于手风琴没有钢琴所具有的“余音”效果，所以手风琴的“连奏”必须要配合好手指的起落连接：即拉前一音的手指，只有待后一音的手指到位之际方可抬起；有些所谓的“特殊连音”，还需要在下一个音发音之后方能移指，否则声音就难以连起。 十一、“要弹出好的声音” 这可是最重要却又是最不易做到的“废话”。从前有一个最伟大的钢琴教育家在讲演时说：“要想弹好钢琴，最最重要的，就是要弹出好的声音，不弹坏的声音；要弹得好听，不要弹得难听”，于是，就有学生提出疑问： “老师，什么是好的声音，什么是不好的声音呢？”。教授答：“你这问题提得实在是太重要了。要想知道什么是好的声音，最重要的就是要知道什么是不好的声音。”，学生还问：“老师，你能不能给我们一个衡量好坏的标准呢？”教授答曰：“很好，要想知道什么是不好的声音，就得有一副懂得倾听的耳朵。”。其实，真正的学琴就是这回事，不断用耳朵倾听，不断改善触键状态。不断提高声音品质，这一改善和提高的过程永无止境。我们拉手风琴是风箱的运用和触键的配合，从技术上来看一点也不比钢琴简单，特别是拉手风琴的左手需要同时承担演奏左手音符和推拉控制风箱的任务，就像是拉小提琴时的左手按音和右手拉弓的两项工作由一手来承担完成，难啊！ 关于聆听音乐的问题，学音乐的学生如果不能听到大量的各种乐器、各种形式、各种风格……音乐作品的话，你又如何知道什么是“好”的声音呢？所以学习音乐首先是要多听，要听各种形式、题材、风格、版本的音乐，使得你的耳朵变得越来越敏感和挑剔，只有知道了什么是“好”、什么是“不好”时才能弹出最好的声音来。 十二、“要重视风箱和触键的配合” （此段原文是关于钢琴踏板的内容，因与手风琴无关而删除，下文由我编写） 从一开始学习，就要重视声音的质量，要把音乐放在第首位。手风琴拉得好不好听，很重要的一点就是风箱运用的好坏。风箱的运行要力求平稳、饱满，专家们形象地提出了风箱的运行要追求“弓”感（像弦乐运弓一样的感觉）。这种平稳且保持一定阻力的感觉运用在手风琴的风箱推拉中，可以使手风琴发出饱满悦耳的声音，演奏者要根据音乐的需要不断调整用力的大小，声音也会随之而变化。当然声音的好坏要靠耳朵去判别，通过听觉来调整、控制左臂的用力，使之发出优美的歌唱声来。从音乐表现的角度来看，掌握风箱运行技术要比手指的技巧显得更为重要。书中的风箱运行方向标记仅供参考，可以根据琴的大小和演奏的需求情况进行适当的改变，但必须要有合理的安排，不可随意进行。 触键与风箱配合的多种形式可以使手风琴奏出不同的音响效果来。在手风琴演奏中，手指触键主要有三种奏法：连音、顿音、非连音；风箱与触键的配合也有三种主要形式： 一、风箱提前于触键启动，即先绷紧风箱接着再触键，这样发出的声音明亮有弹性，适用于节奏性强、明快有力的乐句。 二、触键提前于风箱，即先触键紧接着用平稳有控制的力度推拉风箱，这样发出的声音比较柔和优美，适用于旋律性较强的抒情性、歌唱性乐句。 三、风箱与触键同步进行，它发出的声音比较平稳饱满，这是最为常用的一种形式。在实际演奏中要根据乐曲的风格、音乐的需要来选用。 当然，这几种形式并不是机械和孤立的，它们中间又有无穷细微的变化，演奏者要在实践中不断地探索、推敲，逐步掌握运用好风箱与触键配合的技巧。其实风箱运用的重要性大家都很清楚，可惜很少有人真正重视风箱的练习，即使在理论上以充分理解了上述的种种方法，但如果不进行长期刻苦的训练是很难掌握好的。常见许多人拉琴又狠又硬，声音发“炸”生硬，有的还用风箱“打拍”演奏。真可谓是说说容易做起来难啊。说了那么些又可能会是篇“废”言。 十三、“要有‘点’” 就是准确、明确、精确的动作点、节奏点、发生点，要“三点合一点”。这是器乐基训中十分重要的一项内容，这是达到基本声音品质的基础。动作“点”表示每个声音发出的准备、触键、持续、离键这四个动作点都要有明确点，与钢琴不同的是，手风琴在触键的同时还需要有风箱的紧密配合。节奏“点”表示每个长、短音符和装饰音都要有相应时值，不能长音符缺时值、短音符赶时值、装饰音混时值的一片模糊状态。发声“点”表示指尖的动作要敏感而努力地捉气冲簧片发声的那一瞬间，〔集中、清楚、节奏明白分清楚，声音生动发清楚，是规范演奏的第一个“台阶”，是把音乐表达清楚的第一步。〕（这里连用了多个“清楚”容易混淆，但不知如何说才简单明白？） 十四、“要弹得有意思” 这是学琴全过程中第一位重要、也是最难做到、永无止境的“废话”。 “要弹得有意思”涉及从声音、乐句、段落、和音、全曲各层面上的全方位问题。什么叫“有意思”？大致来说吧，每个声音要有性格、有品格；乐句要有起伏、有趋向；段落要有组织、有形状；和音要有色调、要有层次；全曲要有内涵、有结构。从一个单个的音到整个乐曲的结构过程，无不显示演奏者对音乐内涵、内容、内质的体验和理解。要真正把琴弹得“有意思”是非常非常不容易的。只有心到，心中有音乐，心中有意思后，才会把每个音、每个句子、每个段落、每个和音、每个曲子弹得“有意思”。 十五、“十六分音符要弹均匀” 所谓“十六分音符”，本意指把一个“全音符”分割为十六份，在大多数情况下，它表现为“两根尾巴（符杆）”的谱符。许多人一碰到“十六分音符”就会赶拍，就会不均匀，就会指尖打滑，这是个通病。要克服这一“通病”，关键在于时值、响度、音质这三方面的一致与均匀。所谓“均匀”，就是每个音都应随着句子进行而有所变化，但不应有角（突在外面的声音）、有坑（凹陷下去的声音），有洞（应当有而没有、应当持续而不持续的声音），应当逐渐过渡、良好连接、了无痕迹。事实上，“十六分音符”时常以“八分音符”（如2/2拍或3/2拍中）或“三十二分音符”（如在2/4或6/8等节拍中）的形态出现。但不论何种形态的音流跑动，上述“三均匀”原则都要保障。补充一句，可充分使用节拍器来进行“十六分音符”的训练，特别是电子节拍器可以调成每拍打成四个点的十六分音符，保证我们的练习十分正确。 十六、“指尖要站稳，不要打滑。” 指尖不稳，易成声音溜滚，节奏黏糊。不少与“水”相关的字，如：混、滚、浑、滑、混沌、浮、涣（散）、漏、溜、滥、漂、浅、淹、溢、浊、滞、沾、污、泄、汹、淆、都直接和力量不到位、指尖不稳定、声音不清晰有关联。而诸如“混、滚、浑、浮、漏、溜、漂、浅、滞”等“致命顽疾”皆源于指尖打滑。因此，加强相邻手指的分离性、触键发声的明晰性、力量传递的直接性、指尖状态的稳定性，成为学琴中级程度一个至关重要的关键基础问题。当然与“水”相关的字有不少对弹琴极有帮助的，如：“洁”（干净）、“清”（晰）、“流”（动）、“滋润”、“温”（暖）、“浓”（郁）等等。理应排除“污泥浊水”，蓄养“清泉澄溪”。 十七、“要弹出真正的手风琴的声音来” 这可是一句非常“正经”的废话。问题是许多人学琴多年，对真正好的手风琴声音既不知辨别，更不知如何去获得。真正好的、美丽的手风琴声音是摄人心魄的，是感天撼地的。所以我们每一个学琴的人，要学会在琴上寻找美丽、创造美丽、传递美丽、体验美丽和享受美丽；要积极培养对美的强烈追求、炽热激情、坚强意志与巨大张力。DESIRE（愿望）是第一位的。有所想，就有所求，美就在其中。因为，琴是有灵性的，是活体，是有灵敏的反应能力的。演奏者对琴有多少祈求，琴就能立刻有所反应呼应响应。所谓“种瓜得瓜，种豆得豆”，心中有音，琴才能发出属于它那美丽的声音。当然琴的质量也甚为重要，工欲善其事，必先利其器嘛，这里主要是谈演奏技术的层面。 十八“要慢练” 慢练是练琴之本。“练琴”，不同于“演奏”，它是由此而解决“演奏”所面临的一切问题。慢练本身不是目的，而是解决技术困难问题的一种极有效的手段；只有八倍、十倍、十六倍地放大演奏的速度，才能在极其缓慢的速度中把音之间的相互关系理顺，然后逐渐将动作体系确定下来；通过速度不断加快，达到演奏所需要的速度，这便是“慢练”的出发点与作用之所在。“慢练”就是在于如“放大镜”一般把音乐各个要素扩大，在极度放大的时值内，把音乐表现的各个要素扩大；在极度放大的时值内，把音乐表现的各个方面：发声、音质、乐句、和声、层次、进行的过程及结构等，非常充分地体现出来。这是“慢练”最最核心、最最重要的意义。在“慢练”中，我们可以听到更细腻的声音变化，更好的声部关系。总之，可以更贴近音 乐的内核。因此“慢练”对于掌握音乐每个细节十分重要。总是以“演奏”速度弹奏乐曲，必然遗留下许多粗糙的“瘢痕”，忽略的“缺口”，暗藏的 “隐患”，不可能通过不断的重复快速弹奏而自然的达到更高境界。 十九、“分手练习” 太重要了！但这是许多人不太愿意做的事。殊不知，手风琴这件乐器从来不仅仅意味着单纯的一件乐器。手风琴还意味着交响乐队、室内乐队、重奏组合、大合唱、歌剧、管风琴的多因素，它意味着一切音响可能的综合。因此，一曲之下，不只在做一件事或两件事。作为一件极其复杂的乐器，尤其是现代的键钮式自由低音手风琴音乐包含着在任何音域中，以任何节奏组合复合起来的任何可能的音响。这一方面显示了手风琴音乐无限的丰富表现力，另一方面又带来极其困难的组合问题。正因为如此，左、右手必须分开练习（尤其是演奏复调音乐），因为每只手需要各司其职、各尽其能；每只手需要各自独立的层次、音响、功能和节奏；每只手愈独立，音乐的组织就愈清晰。分手练同样是使“练琴”更加有效的必须手段。 二十、“要分层次练” 鉴于手风琴音乐的复杂性，光分手练还不够，必须更精细地分层次练。手风琴音乐必然是多层次的，特别是在用自由低音手风琴演奏复调音乐时。比如巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂的音乐就是多声部多层次的。以此标准衡量，手风琴音乐无一不是由多个独立层面所构成，并且在这些独立层面中暗藏着许多有内容、有意义、有趣味的进行、线条、和声、音程、节奏等。发掘这些隐藏的线条，对于组织音乐的立体性、整体性、新鲜感都有极大的帮助。 “分层次练”，区分各层次的不同功能、性质、音质、色调、是达到“立体化”演奏的必由之途。 二十一、“要一句一句练” 许多学生老是喜欢从头至尾一遍一遍地弹（呵呵，十人几乎九个半啊），不知分句练的重要性。音乐如同说话、朗诵，要一句一句说清楚。每个句子有开端，有过程，有需强调的关键词，有收尾，有语态，有语气。弹好第一句才能继续弹好第二句。因此，要“音不惊人死不休”，“句不惊人死不休”。只有一句一句地把音乐体现出来，实现全曲的结构布局才能打牢基础。当然，重点、难点的局部练习本身不是目的，是达到完整演奏好全曲的有效手段；就像一条项链，只有每一个部件都是完美时，才称得上是一条上品的项链。 二十二、“背谱后要看谱练” 当前，对于背谱，有两种不正确的方法。一是从不背谱，靠的是手指习惯动作的条件反射，这种“用手背谱”的顺手溜极不牢靠；因为它缺乏大脑的分析、构建、记忆和理性的指导。二是一旦“熟记”就再不看谱，结果谱子在大脑的记忆越来越模糊，最终不断出现偏差。真正的背谱记忆，在于一接触新作品时就一句一句地分句背出来，强化大脑记忆。应当尽快地把乐谱牢牢地刻印在脑海中。一旦背出后，就再不要背谱弹，而不断看着乐谱练习，观察乐谱，分析乐谱，研究乐谱，不断从乐谱中“看”出自己不足，加深对音乐的认识。
二十三、“要重视基本功训练” （此段原文也是关于钢琴的踏板，所以由我重新编写） 重视基本功训练，这可是妇幼皆知的闲话了。什么是基本功练习？手风琴的基本功训练简单的说就是各种手指触键的技术、风箱的运用以及两者的配合训练。这些都要通过音阶、琶音和各类练习曲的练习来达成。然而，尽管众所周知，日挂嘴头，但落到实处的少之又少。甚至有许多教师也仅限于口头，结果，许多学生以乐曲挤掉了练习曲，最不愿练的就是音阶、琶音了。不重视基训就很难解决许多演奏中的技术需要，长此以往就会缺乏发展的能力和后劲。即使基训要比乐曲显得枯燥乏味些，但这一环是不能跨过去的；还得建议大家把练习曲当乐曲来练，把乐曲中的技巧性较强的乐句当成练习曲来练。 二十四、“要使每个声音让自己听见，也让别人听得见。” 要使琴弹奏得自己真正听到就很不容易，要影响到大庭广众就更难了。所以，古人云：“觉一声之灵趣，当会通万音之璀璨”。专注全身心的能量，奏出一个非凡的声音，是一种态度、一种精神、一种人生、一种气质、一种生命的外化、一种魂魄的震撼，一种神灵的放光。“璀璨”就是要有光。 “神说要有光，就有了光”。你持琴，你就是神。手风琴的每一个声音一定要有光，没有光的琴是件死器。要让琴每个声音放出璀璨的光辉！ 二十五、“大脑要始终领先在手的前面” 手跑得奇快，必定大脑滞后，成了无脑的演奏。“大脑领先在手前面”，就是每一个肢体动作必须有充分的准备、充分的控制、充分的目的和充分的欲望。大脑要充分训练，脑细胞才能高速运转、控制结构、控制调性和控制音乐演奏的全程。总之，要用每一微秒将应有的乐思提前发出，让自己两手的演奏始终如一的贯穿始终。 二十六、“要弹得大气” 要把音乐弹得大气，首先最要紧的是改善弹琴的姿态。不少人也很努力地注意到控制和细节，但其姿态如若趴地寻蚁，重心低垂，力量后缩，颈脊紧张，指尖卷曲，全身的力量均被每个关节所阻隔，无法直接贯通到键盘。要弹出大气的音乐，得有大气的演奏状态。可以概括为两句话：“昂首仰望上帝，张臂拥抱宇宙”。这是一种昂首挺腰，居高临下，胸怀开阔，力量贯通，总揽全局，心系六宇，高瞻远瞩，大气磅礴的弹法。要从“大气”的弹法中寻找贵族气质，培育贵族气质并养成贵族气质。手风琴这件乐器从它出世以来就充满着热情和灵性，让我们张开热烈的双臂拥抱它吧。 二十七、学会“要很轻地练”
在手风琴上发出又轻弱又集中又穿透的声音是最困难的，也是最能体现风箱运用真功夫的，也就是我们常说的“弱比强难”。这里有几层重要的意思： 第二，由很轻的声音中获得很集中很尖利的音响，可以大大提高声音变化的等级和幅度。 第三，用很轻但穿透的声音进行练习，积以时日，可以极大提高指尖感觉的敏锐性、弹性和准确性。另外，强和弱是一种相对的关系，没有弱就没有强，反之亦然。 因此，学会用轻而集中的声音练琴，对于提高演奏水准意义很大。要避免总是又响又快的练琴。再补充一句废话，要注意“欲强先弱，欲弱先强”呵。 二十八、“该按住的声音要保持，该起来的声音要离开。” 线条的连贯与时值的保持，是流畅演奏的保障。线条的连贯，在于时值保持的准确性。而准确性来自发声点、持续度与离键点三个方面的把握。音音之间不能断，断则有缝；音音之间不能粘，粘则重叠；自然的衔接才是完善的状态。一首多声部乐曲中有许多线条，许多层次。做到每个线条、每个层次的连贯，才不会在演奏中处处出现断裂的“空洞”。 二十九、“倾心弹好一个单音线条” 多声部的乐器，最容易忽视的往往是单音线条的表述，手风琴也不例外。把这许多单音线条并拢在一起，显示音乐的整体，这是多声部的乐器演奏的最终结果；但任一多声部的构成都来自单纯的单音线条，而最本质的、最自然的音乐本能的乐感，却来自单音线条的训练。一个完整、美丽、动人的线条，勾勒出这线条本身所具有的“形状”是十分重要的。否则，平铺直叙，白水一杯，每音相同，没有起伏曲折，没有高低委婉，没有抑扬顿挫，就是“没形状”。实际上，线条、乐句和形状是“乐感”最直接、率真的表露。这便是先全身心投入弹好一条、一条、再一条的单线，然后，合数为一之时，音乐整体的“形状”才会逐渐地显露出来。长笛、黑管、圆号、长号等单音线条的乐器，之所以能汇合成强大的和声，其道理是一样的。 三十、“不要一见音多就心慌意乱，就快起来。” 遇难而慌，乃人之常情。事实上，应该是遇难而静，唯有平静才能运慧思，用才智，把复杂拉宽，把困难分拆，把最小单位一点一点弹清楚，就变得容易了。此外如：要往下用力先要往上做准备；慢的速度不要太拖；快的速度不要太赶；还有“cresc.（渐强）”不等于“渐快”； “dim.（渐弱）”不等于“渐慢”，都是应该注意的细节。拉琴不等同于骑车的加速，而在于“逐渐”的过程；渐强就要逐渐加大风箱的推拉力度，此时就会不自觉地拉得渐快了，反之就渐慢了。所以，遇到困难首先就是冷静，放慢速度，一个一个细节控制好，一个一个环节咬住，就能化“难”为“易”。 三十一、“用心弹” 这可真不是一句“废话”。古人云：“心主神明”。心乃精神之源泉，阳光般的明媚，精神的力量无穷尽。心动，则音乐才能“生发”、才能“动人”、才能乐思源源不断。言由心生，乐也同样由心而生；弹琴是心灵的投入，用心弹出音符背后所蕴藏的一切内涵，才能触及音乐的脉搏，揭示音乐的意义，创造音乐的境界，卷起音乐的巨澜。“用心弹”概括了演奏者对音乐的根本态度，这就是以热血奔涌，与冷漠的“木纳冷血”，与机械的“行尸走肉”划清界限。如果再作进一步的分析，“用心弹”也尚未真正说到“点”上，似乎应该说“用耳朵弹”更为确切。因为音乐是声音的艺术，演奏中的所有一切都是要靠耳朵来聆听、指挥、处理的，如果不认真聆听，没有一个好的“音乐耳朵”，想达到音乐演奏的最高境界是万万不能的了。所以再说一句大废话：用“耳朵”弹！ 废 跋 既然序、文皆“废”，此跋自然亦“废”。但上文摘录之在上课琴室中常说的废语31则，说废亦不废，真正做到却很不容易。真理往往包含在最最简明质朴的言语中。有些话，如“弹好听”、“弹得有意思”、“用心弹”、“弹得大气”等等，实际上蕴含着弹琴最大乐趣与最终价值在内。因此，上述“废语”无论从精神层面还是技术层面考量，都不是废话，非但不是废话，反而如能真正实现这31则“废语”，那琴也就弹得十分好了。 是故得一谒曰：
琴室有宇宙，室中勤练否？ 注： 1、此文是根据上海音乐学院钢琴教授、博士生导师，作曲家、钢琴家、音乐理论家及教育家赵晓生先生的《琴室废言》一文改编的。原文是为钢琴学生而写，我将原文中与手风琴无关的“钢琴踏板”等内容，进行了删除、改写，并根据手风琴演奏的特点加入了有关风箱运用的内容，供从事手风琴教学的老师和手风琴学生参考。 2、由于原文的引用与改编尚未经赵晓生先生的授权，且由于自身水平有限，很可能有许多理解不足而产生的谬误，在此希望得到赵教授的谅解，并表示感谢！ 本文的改编过程中，还得到广西手风琴爱好者李飞跃先生的支持，并给以修改和润色，使文章增加了可读性。在此也一并表示谢意！ 本网站仅为各种手风琴信息的发布提供平台，由信息提供者保证其内容的客观真实性。 |
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